111个物件:反思时尚的现代性

很多人对时尚意义的认知,是从《穿普拉达的女王》里对于一件普通蓝色毛衣背后历程的讨论开始的:

Miranda Priestly: ‘This… stuff’? Oh. OK. I see. You think this has nothing to do with you. You go to your closet and you select… I don’t know… that lumpy blue sweater, for instance because you’re trying to tell the world that you take yourself too seriously to care about what you put on your back. But what you don’t know is that that sweater is not just blue, it’s not turquoise. It’s not lapis. It’s actually cerulean. And you’re also blithely unaware of the fact that in 2002, Oscar de la Renta did a collection of cerulean gowns. And then I think it was Yves Saint Laurent… wasn’t it who showed cerulean military jackets? I think we need a jacket here. And then cerulean quickly showed up in the collections of eight different designers. And then it, uh, filtered down through the department stores and then trickled on down into some tragic Casual Corner where you, no doubt, fished it out of some clearance bin. However, that blue represents millions of dollars and countless jobs and it’s sort of comical how you think that you’ve made a choice that exempts you from the fashion industry when, in fact, you’re wearing the sweater that was selected for you by the people in this room from a pile of stuff.

是的,这解释了快消品牌中款式背后其实大有来历,但并没有讲清楚时尚到底是什么。

我们常常认为,时尚是被定义出来的:每年PHANTON针对伦敦时装周纽约时装周都要分别总结一个流行色卡;各个品牌的runway结束之后,杂志媒体、时尚博主都马不停蹄地发文,然后我们就被告知了“今年流行全身红”或者“复古格子又回来了”之类的流行趋势。但放眼更长的时间维度、以及更广的地域范围,去思考时尚从何而来,其背后有怎样的社会因素,它的形式延续了什么母题又突破了什么界限,这些恐怕才是更值得去探究的。

  Are Clothes Modern?   MoMA, 1944| Photo: MoMA

Are Clothes Modern?  MoMA, 1944| Photo: MoMA

在1944年MoMA(纽约现代艺术博物馆)进行第一次关于时尚的特展Are Clothes Modern?之后,时隔73年,它们重新审视服装,试图更深地去多方位理解时尚,于是有了这个名为Items: Is Fashion Modern?的展览。

展览选取了111件物品,以物件本身而非设计师为线索,涵盖了从时尚设计大牌到宗教民族服饰、从传统工艺到现代科技等的各方各面,试图去探寻时尚与功能、美学、宗教、政治等的关系。

  Items: Is Fashion Modern?   MoMA, 2017 | Photo: Jinglu Huang

Items: Is Fashion Modern?  MoMA, 2017 | Photo: Jinglu Huang

衣着可以是对个人身份的再定义。我们常说的“小黑裙”原可追溯到1920年代,Coco Chanel专门设计了一款简洁的小黑裙意在通过不同的搭配来应对各种场合。而Yves Saint Laurent在六十年代中期为女性设计的吸烟装,大胆突破了当时社会对女性不宜穿裤装的认定,重新定义了女性时尚。

服装和配饰也是身体和外在的边界。就好像Existenzminimum这个词在建筑上定义了最低生存空间一样,在日常生活中,服饰就是身体最低限度的个人空间。1978年随身听的设计可以说是大大拓展了我们物理上的个人空间范围。连帽衫、棒球帽、耳机、墨镜、口罩……这些物品允许我们待在舒适的自我区域内,免于社交烦扰;同时也有意地限制了对外的自我表达,将自己定义为不相关的他者。

服饰还是权力关系的体现。一件衣服遮盖抑或裸露反映了个人/集体的欲望和焦虑。九十年代,Calvin Klein将吊带裙(slip dress)作为一个极简时尚推出后饱受争议,直到歌手Courtney Love作为流行文化引领者将“内衣外穿”这种风格推广开来才为人接受。现代比基尼(bikini)曾因为裸露过多经过几十年才被西方社会逐渐接纳,而讽刺的是在2016年法国尼斯一海滩上,几名警察要求一个身穿burkini(不同于bikini,是除脸之外全部遮挡的游泳衣)的穆斯林女性或脱掉多余衣饰或离开海滩。Burkini在设计之初是为了让穆斯林女性更好的适应现代生活,在这个案例里却成了隔离和限制的符号。尽管这次事件是在法国恐怖袭击之后的一个过激自我保护,但服饰和背后的宗教及权利关系却超乎想象。

这又不得不提到制服。制服来源于学校、工厂和军队,是集体对个人的规范。从牛津纺衬衫到铅笔裙,它以统一的形式划定了人群。而反过来,人们为了归宿感、为了成为集体的一部分,而自觉或不自觉地跟随了这个规范。Levis 501s就是后者的一个例子。展览中提到了中山装(Mao Jacket),并将原型与邀请Marni为展览设计的新的表现手法并置,也是此次展览对prototype的一次探索。

 Marni Mao Mirror 2017 | Photo: Jinglu Huang

Marni Mao Mirror 2017 | Photo: Jinglu Huang

总结来说,展览试图通过对这些物件在“原型(Archetype)——定式(Stereotype)——基型(Prototype)”三个层面上的检验来完成对于时尚“现代性”的反思。在这里,Archetype意指某个衣饰在概念上的原型;而基于原型,根据各自不同的文化背景发展延伸出各自的表达形式,并且在群体认知中固化下来成为Stereotype,比如犹太小帽kippah;最后,展览试图突破这些固化的形象,邀请一些设计师专门为展览的某一物件设计New Prototype,其中一个尝试就是Marni的中山装。

回归主题“Is Fashion Modern? ”,展览前言重申了建筑和设计领域中“现代”的概念,“它是一种建构性的态度,以艺术的整体性为基础,与社会需求、灵感和优先级不可分割”。带着这个对“现代”的反思的期望去看整个展览,会发现实际上展品的选择和解释上,更多的是在讲社会学层面的现代,而非艺术、审美层面上的现代。尽管展览提出了三个层级的原型检验,这也更多的侧重了社会文化而非设计本身。

平行地去看大都会博物馆这两年的服装设计展览。今年川久保玲的展览主题是Art of In-Between,根据九个对立的概念展开,包括Absence/Presence、Then/Now、Self/Other等等,是对空(emptiness)空间(space)的概念、以及他们“之间(In-between)”的存在所做的服装形式层面的艺术表达。而2016年OMA建筑事务所纽约负责人Shohei策展的Manus x Machina: Fashion in an Age of Technology则是通过手工和机械的并置来反思科技时代的时尚。这种反思我们也可以在本雅明的《机械复制时代的艺术作品》中看到。

  Art of In-Between,  Metropolitan Museum, 2017 | Photo: Jinglu Huang

Art of In-Between, Metropolitan Museum, 2017 | Photo: Jinglu Huang

所以两相比较,MoMA此次展览更像是一次时尚在社会学层面的综述:一方面,它的展品选择在艺术性上有欠表达;另一方面,它的策展方式也没有全然完成前言中的“原型(Archetype)——定式(Stereotype)——基型(Prototype)”三个层面上的检验。但好的一点是,它至少是个“平易近人”的展览(这不是个贬义词!):你会在展览中看到Levis 501s系列牛仔裤和Polo衫,以及fitbit和更高科技的可穿戴设备。不像川久保玲的展览使素人感到困惑,这个展览一定能让每个人都有take away。